Je continue d'emprunter des albums divers et variés à mon voisin et camarade Rico afin d'étoffer la rubrique "musique" de mes blogs ! Je rajouterais de temps en temps un album de ma discothèque personnelle même si j'ai arrêter d'acheter des disques à ma moitié des années 2000 passant plutôt à la lecture !

Depeche Mode est un groupe qui ne m'a jamais vraiment emballé ! Je suis très réticent à écouter de la musique faisant un peu trop synthétiseur ! Dans les années 1990, mes amis François-Olivier T. Et Yann G. étaient des fans inconditionnels de ce groupe - pourtant ils n'ont jamais réussi à me faire partager leur passion !

L'album que je viens d'écouter est leur double album de 2017 - le dernier donc je pense ! - et là encore n'ai pas accroché sans avoir pour autant détester cet opus ! Ça s'écoute mais sans susciter d'émotions chez moi !

Petite présentation du groupe ! Wikipédia est ton ami ! Depeche Mode est un groupe de new wave britannique formé dans le comté d'Essex ! Parmi les genres brassés par cette formation, on a la synthpop, le rock électronique et le pop rock ! Cette montée de la musique électronique, qu'accompagne Depeche Mode, dans les années 1980 n'est guère étonnante si on prends en considération la mise sur le marché - la commercialisation - des synthétiseurs ! Dès lors des petits génies vont tirer le meilleur - ou le pire ! - de ces machines capables de simuler à elle seules un orchestre dans leur garage !

Formé en 1979, Depeche Mode a été repéré par l'agent de Soft Cell, autre groupe new wave et synthpop et signe sur le label Mute Records en 1981 ! Le groupe s'envole dès ce début des années 1980 avec le single ultra-connu "Just Can't Get Enough" - qui pour ma part m'a bien "cassé les oreilles" ! (Je plaisante !) Autre tube en 1984 - 1985 avec "People Are People" !

C'est une musique très industrielle - qui culmine avec l'album de 1990, Violator,  avec des tubes comme "Personal Jesus", "Policy of Truth" ou "Enjoy The Silence" ! Une musique qui parle au jeune prolo anglais ainsi qu'à la classe moyenne !

Le groupe est composé actuellement de trois membres : Dave Gahan, le chanteur et Martin L. Gore et Andrew Fletcher.

Depeche Mode est en perte de vitesse aux milieu des années 1990 puis connaît un renouveau au passage de l'an 2000 et un nouvel élan dans la décennie qui suit !

Dans l’épisode 68 de The Robcast, un show télévisé, Martin L. Gore annoncé le 25 janvier 2016 le début de l'enregistrement, en avril de la même année, d'un nouvel album dont le titre Spirit est dévoilé le 11 octobre 2016 pour une sortie le 3 février 2017 ! Une tournée internationale accompagne cette sortie et l'album est favorablement accueilli par la critique !

Entendons-nous bien ! Formellement,cet album est abouti - encore que mes compétences musicales soient limitées ! - du moins n'ai pas entendu de son dissonants à l'écoute ! Simplement son âme ne m'a pas touché ! C'est un double album CD ! Le CD 1 contient douze titres et le CD 2 seulement cinq qui sont des reprises instrumentales de cinq titres du CD 1 - et qui montre la maîtrise technique en matière de musique électronique de Depeche Mode ! Ils étaient là bien avant David Guetta ou Daft Punk et restent une référence !

Citons quelques titres ! On a donc "The Worst Crime", "Scum", "You Move", "Cover Me", "Eternal", "Poison Heart" , "So Much Love" ou encore "Fail" ! Des titres évocateurs et assez politique ! Même si là encore, ne me suis pas arrêté aux textes et n'y ai pas prêté plus attention que ça ! Pas sérieux de ma part me direz-vous et vous aurez raison !

Voilà ! J'espère toutefois mettre plus tard la main sur un album emblématique du groupe - par exemple Violator - et réviser mon jugement à la hausse ! Là, il est vrai qu'on est fasse à une formation qui a fait son temps et dont l'heure de gloire est dans le passé ! La barre a été placée haute - me disaient François-Olivier et Yann - et difficile de faire mieux pour eux !

L'album annonce une révolution qui ne vient pas ! "Where's the Revolution ?". A défaut de révolution , l'"esprit" est -il encore là ? Sans doute oui mais amoindri !

A bientôt !

PS : Ceci constitue mon 1000ème billet sur mon Skyblog public ! Eh oui, déjà ! Ça file !

Brian Hugh Warner est plus connu sous le nom de scène de Marilyn Manson - qui est aussi le nom de son groupe - , mix entre l'actrice Marilyn Monroe et le tueur en série Charles Manson. Le type est multitalents, à la fois, musicien, chanteur rock, peintre, poète, acteur et plasticien américain.

C'est aussi et surtout un artiste controversé - qui utilise abondement la provocation et le blasphème imprégné de philosophie et de symbolique mystique. Parmi les légendes/rumeurs que j'ai entendu à son propos, on lui prête l'acte d'avoir écrasé des hamsters sur scène !(?) Il fut donc beaucoup critiqué, notamment par les mouvements religieux et politiques, l'accusant de pousser la jeunesse à la violence et à la perversion - on lui mis même sur le dos le massacre de Columbine.

Je ne m'étendrais pas ici sur la biographie et la discographie de Marilyn Manson mais m'attarderais plus sur son dernier album en date, de 2017, emprunté à mon pote et voisin Rico, l'opus Heaven Upside Down.

Je ne me suis pas vraiment attardé à écouter le sens des paroles en anglais - même si je suis plutôt doué dans cette langue ! Ce n'était pas mon but ! Je voulais une écoute "détendue" ! A vrai dire, une certaine ambiance de cauchemar ressors de ce disque ! Malsain ? Probablement mais intéressant aussi ! La voix de Manson est caractéristique et les amplis sont vite saturés !

Heaven Upside Down est le dernier album studio de Marilyn Manson, sorti le 6 octobre 2017, produit par lui-même et Tyler Bates. "Marilyn Manson" est donc - on l'a dit ! -  tout autant le pseudonyme de Brian Hugh Warner que le nom de son groupe. Et de ce groupe, on retrouve sur ce dixième opus, Gil Sharone, membre de ce "Marilyn Manson", le groupe donc, en tant que batteur.

Dix titres sur ce CD qui s'inscrit d'entrée dans le blasphème avec le morceau "SAY10" qui se prononce en anglais "Satan". Manson renoue avec ses première productions car il a déclaré, dans une interview au magazine Dazed, s'être rapproché de l'ambiance de Antichrist Superstar, son deuxième album, sorti en 1996 ainsi que de Mechanical Animals, troisième album du groupe/ de l'artiste. Il se défends pourtant d'avoir voulu faire un retour en arrière ! Mais bon, je reprends ces points de Wikipédia et cela ne parlera qu'aux familiers de Marilyn Manson.

Trois clips ont été réalisés pour les chansons "SAY10", "I KNOW WHERE YOU FUCKING LIVE" et "KILL4ME" - j'adore particulièrement ce dernier morceau ! Même si il fait un peu "musique de films de boules" ! Johnny Deep est dans ce dernier clip !

Fin 2017, une tournée accompagne la sortie de cette galette ! Notre chanteur à polémiques pourra encore faire des outrances sur scène !

Citons d'autres titres du disques : "Revelation #12", "Tattooed In Reverse", "Saturnalia" ou" JE$U$ CRI$I$"... On est aussi à fond dans l'ambiance gothique et punk avec cet artiste !

Je ne m'étends pas ! Ça s'écoute mais ce n'est pas non plus la révélation pour moi ! Si l'artiste ne me choque pas, je ne suis pas vraiment entré dans son "univers" ! Peut-être faudrait-il que je fasses une écoute plus attentive ? Je trouve que ce gars tourne un peu en rond ! Ça a le mérite de s'opposer à l'Amérique Puritaine et "bien pensante" !

A bientôt !

Jacques Higelin, auteur-compositeur-interprête et comédien français a été une figure majeure de la scène musicale française des années 1970 et 1980 et même après ! Il est décédé récemment, le 6 avril 2018, à l'âge de 77 ans ! Il est le père d'une famille de "saltimbanques" à savoir Arthur H, chanteur, Ken Higelin, comédien ou encore Izia Higelin, chanteuse. Ma camarade Sophie T. l'adulait et sa disparition va créer un grand vide !

Je connais en réalité pour ma part très mal cet artiste talentueux et emblématique ! Continuant à emprunter des CD à mon pote et voisin Rico, je lui ai pris récemment Coup de foudre, son album de 2010 - qui contient 12 titres assez réussis.

Cet album a été enregistré au studio de Rodolphe Burger avec celui-ci à la réalisation - et Dominique Mahut - dans des conditions live ! Il en ressort une touche "authentique". Il forme un diptyque avec l'album précédent - de 2006 : Amor Doloroso, enregistré dans les mêmes conditions et avec les mêmes personnes !

Ces deux albums marquent la renaissance de notre artiste tourmenté, dans un registre rock. C'est léger et inspiré !

L'album débute avec "Coup de foudre". Et l'on se demande si l'auditeur aura une histoire d'amour avec cet opus ? En tout cas, Higelin y est généreux et clame son envie de chanter et de déclamer des textes ciselés et poétiques.

On retrouve aussi les influences de la musique noire nord-américaine notamment avec le titre "New Orleans" et ses sonorités gospel et jazz ! Higelin ne se prends pourtant pas au sérieux comme le prouve le titre "Kyrie Eleison" qui est une marche "bastringue et déglinguée" selon Télérama.

Le chanteur dénonce et vitupère sur ce qui l'agace : la crise dans "aujourd'hui la crise" (reprise de 1976), les embouteillages du 15 août dans "Août Put". C'est volontiers noir et, vous l'aurez compris, décalé !

Voilà ma première prise de contact - tardive ! - avec Higelin ! Jusqu'à présent, aucun des disques empruntés à Rico ne m'a déçu ! Les mauvais disques et les chanteurs médiocres - pas mal de gens aujourd'hui  en fait ! - je ne les écoute tout simplement pas car mon temps est précieux et je préfère éviter toute pollution sonore, déjà que j'ai un autre voisin relou dans l'immeuble d'en face qui sonorise tout le quartier avec sa musique de beauf, fenêtre ouverte et volume à fond, du Johnny de 7 heures du matin à 22 heures sans arrêt depuis qu'il est décédé lui aussi !

Je constate par ailleurs qu'au bout de presque dix ans de mon Overblog/eklablog et plus de 2130 articles, cela fait quasiment 210 articles par an ! Avec une nette hausse du nombre de publications ces quatre dernières années ! J'ajoute de plus des billets antidatés les premières années - 2008 - 2012, les jours où je n'avais pas fait de Post !

Si vous appréciez mes blogs et mon travail, je vous suggère de me dire en commentaire quelle(s) œuvre(s) (romans, essais, BD, disques, films, jeux vidéo, etc,..), vous souhaiteriez me voir chroniquer - et par là dont vous me conseilleriez de me pencher dessus ! Le nom de ces blogs n'est-il pas "la bibliothèque-éclectique" !?

A bientôt !

Nous allons une nouvelle fois parler de musique - mais pas de chanson anglo-saxonne, ni même hexagonale (francophone) mais de tubes dans la langue de Cervantes, l'espagnol ! Il existe en effet tout un marché sud-américain qui est très actif dans ce domaine, que l'on songe à Shakira !

Au départ, il y avait le groupe Mano Negra puis, l'un de ses membres éminents, l'auteur-compositeur-interprête Manu Chao, décida de se lancer dans une carrière solo à la fin des années 1990 ! A l'origine pourtant ce n'était pas le but recherché et son premier album solo, Clandestino, sorti en avril 1998, devait clôturer, à contrario, la carrière de l'artiste français d'origine espagnole ! Seulement voilà, Clandestino  fut un grand succès !

Petit à petit, en effet, Manu Chao a pris ses distances avec la Mano Negra et ses entouré de nouveaux amis à travers ses voyages, les villes et les pays visités. Il expérimente alors, mélange de nouveaux sons, s'essaie à de nouveaux style, très ouvert d'esprit est en effet cet artiste cosmopolite. Il se tourne même vers la "techno hardcore" - c'est dire !

Au début de l'enregistrement de la maquette de Clandestino, Manu Chao - contre l'avis de ses amis qui lui disent que cela ne correspond pas à son style - s'entête à mettre une large part de son techno dans son disque d'adieux à la carrière musicale ! Mais un bug informatique décide du destin du futur album en effaçant toutes les pistes techno, révélant une composition moins chargé, plus limpide et donc plus adaptée !

Pour Manu Chao, Clandestino ne devait être qu'une "thérapie" ! Le disque lancera en vérité sa carrière solo ! Renaud Letang, ingénieur du son d'Alain Souchon par le passé peaufine cet opus pseudo-conclusif.

Cette œuvre marque l'ère d'une musique fusion et métissé ! Je l'ai écouté et ne parlant pas un traître mot d'espagnol, n'en ai pas compris le sens mais ça demeure très prenant et équilibré. Clandestino est plus du côté des ballades reggae que du rock de la Mano Negra même si la transition était déjà perceptible dans les dernières années du groupe. C'est un mélange de reggae, rock, musique latine traditionnelle, rumbas, rythmes brésiliens entrecoupés par des petits textes radiophoniques dont une courte allocution du sous-commandant Marcos.

L’album est un fort succès en France, en Espagne, en Italie, au Québec et en Amérique du Sud ! Les titres les plus emblématiques - sur les 16 plages de cette galette ensoleillée - sont  le titre éponyme, "Clandestino" mais aussi "Je ne t'aime plus" (l'une des deux chansons en français avec "La vie à 2") ou "Bongo Bong" et "Desparecido". Un succès donc malgré le refus initial de radio comme NRJ, RTL2 et Europe2 de diffuser ces chansons jugeant quelles ne rentraient pas dans leur format !

Ça s'écoute tranquillement ! Certains vous diraient en fumant un joint mais comme je ne cautionne pas cela !

A bientôt !

Osez Joséphine est le huitième album d'Alain Bashung, sorti en 1991. C'est avec cet opus que j'ai découvert cet éminent représentant de la chanson française, des textes inspirés, des musiques sophistiquées, la recette du succès était là et le succès fut effectivement présent !

En effet, Bashung renoue avec les sommets des charts avec ce disque ! Écoulé à plus de 300.000 exemplaires vendus soit un beau disque de platine, bien mérité, en 1993 !

Le titre Osez Joséphine vient d'une histoire familiale entre Joséphine Draï et Alain Bashung qui lui disait pour vaincre sa timidité de jeune fille : « Ah si j'osais Joséphine. ».

La précieuse galette contient 11 titres,  - dont 4 chansons en anglais avec notamment une reprise de Bob Dylan : "She belongs to me" et le célèbre "Night in white satin" de Justin Hayward. Bashung est autant à l'aise dans les titres en français comme en anglais avec sa voix si particulière, qui laisse transpirer aussi une certaine forme d'humour acerbe, d'ironie à jouer avec les mots pour leur trouver de nouvelles connotations !

Parlons de la poétique de Bashung ! Sur cet album, il signe des perles comme "Osez Joséphine" ou "Madame rêve" où il multiplie les figures de style ! Notez ici l'allitération, "Osez Joséphine" ! Des images très poétiques et parlantes comme "je cloue des clous sur des nuages "dans le titre "Volutes" ! Avec Bashung, on est vraiment dans un univers spécifique et particulier - et très riche ! Alors je vais résister à l'envie de vous faire des comparaisons avec les artistes actuels, Black M ou Maître Gims (sérieux, le type ose se faire appeler "Maître" !?) dont la pauvreté des productions est manifeste ! J'éviterais de tirer sur des ambulances !

Bashung, c'est un univers musical mais c'est aussi un univers visuel ! Pour cet Osez Joséphine, il a été mis en images par Jean-Baptiste Mondino, célèbre clippeur des années 1990 - célébré notamment par Canal + dont il est un peu dans l'esprit graphique ! Il n'y a guère que ma copine Barbara C. pour ne pas connaître Mondino ! On se souviendra du clip d'"Osez Joséphine" qui mets en avant le rythme façon "cavalcade" de ce titre !

Le magazine Rolling Stone n'a pas hésité à classer Osez Joséphine comme le meilleur album de rock français ! C'est sur qu'on est à mille lieux d'un Johnny Hallyday qui en plus n'écrit même pas ses textes !

C'est en vérité là un très chouette album que nous avons ! Dommage que Bashung nous ait quitté trop tôt !

A bientôt !

Duffy - de son patronyme complet Amie Ann Duffy - , est une chanteuse, auteure-interprète et actrice gallois née le 23 juin 1984. Son premier album studio s'intitule Rockferry et est sorti en 2007 chez A&M Records ! C'est la chanson "Mercy" - sortie en 2008 et qui fut un carton ! - qui l'a révélé au public !

Cette chanteuse à la voix puissante et un peu éraillée a travaillé avec plusieurs producteurs et auteur sur ce premier disque, notamment Bernard Butler, Steve Booker, Jimmy Hogarth ou encore Eg White. Un travail de longue haleine puisque l'enregistrement de cette galette a pris pas moins de quatre ans ! Mais le résultat, avec ses dix titres, en vaut la chandelle !

Vivant précédemment de boulots précaires, Duffy s'essaie à la chanson, dès 2004, et enregistre un mini-album de trois chansons intitulé Aimée Duffy ! Ce premier essai finira par se classer premier au Top gallois en 2008 et la jeune artiste en devenir est entre-temps repérée par Jeanette Lee de Rough Trade Records, toujours en 2004. C'est par la suite,après que Lee l'ai fait déménager à Londres, que Duffy va être mise en présence de Bernard Butler, l'ex-guitariste du groupe de rock alternatif anglais Suede.

Butler va initier la jeune chanteuse à la soul musique en remplissant son iPod de cette musique. L’album Rockferry  possède incontestablement une touche soul, jazzy et clairement rétro ! Duffy aurait pu être une pin-up - ou une crooneuse - des années 1950 !

En novembre 2007, après avoir rassemblé ses musiciens, Duffy signe un contrat chez A&M Records. Elle fait également ses débuts dans des shows télé britanniques de la BBC et en février 2008 dans Later with Jools Holland,  où elle apparaît pour la troisième fois, elle interprète la chanson éponyme "Rockferry", le futur tube "Mercy" ainsi que "Stepping Stone".

Alors que son premier enregistrement, Aimée Duffy, devient numéro 1 dans le hit parade du Pays de Galles, Duffy sort cette année- là, - 2008, son véritable premier album, Rockferry - du nom de la commune de Rock Ferry où vit sa grand-mère ! La suite, on la connaît !

La production de Rockferry  fut épique et une aventure à elle seule ! Enregistré dans de tout petits studios, avec parfois des périodes de trois semaines entre l'écriture d'un morceau et la prise de son, le sort de cette œuvre demeure incertain ! Mais c'est sans compter sur la ténacité et le volontarisme de Duffy ! Et l'aide de Bernard Butler qui écrivit quatre chansons - dont "Rockferry" et ne fut par payé initialement !

En 2006, Steve Booker suit le mouvement et co-écrit et produit "Mercy" - qui deviendra directement numéro 1 dès sa sortie ! - et fut la dernière chanson écrite. Ce titre est, avec "Stepping Stone", largement autobiographique a révélé la chanteuse. "Mercy" parle de "liberté sexuelle" et de ne pas se faire imposer son comportement par les autres. "Stepping Stone " est à propos du fait de ne pas avoir exprimer ses sentiments à une personne dont elle était tombée amoureuse ! Une sorte de déclaration d'amour rétrospective et médiatisée/publique !

Le second single extrait de l'album est "Warwick Avenue" ou Duffy raconte l'expérience qu'elle a eu du "Londres Underground" lorsqu'elle avait 19 ans, après s'être retrouvée par accident à la station de métro de Warwick Avenue !

Duffy a assuré bien évidemment la promotion de Rockferry - en intervenant notamment dans des festivals comme le SXSW le 15 mars 2008 et au Coachella Valley Music and Art Festival où elle a interprété les titres précédemment cités plus la chanson "Serious". Pour coïncider avec la sortie du fameux album, elle s'est également produit à l'Apollo Theater à New York et a eu l'honneur de passer à la Royal Variety Performance 2008. En fait, cette année-là, elle s'est produite un peu partout en Europe tandis que "Mercy" résonnait sur la plupart des radions, en faisant le tube du moment !

Rockferry a donc rencontré le succès public - pas mal pour un coup d'essai d'une chanteuse longtemps dans la galère ! Un de ces contes de fées britanniques à la J.K. Rowlings ! Il a aussi reçu des critiques largement  enthousiastes ! Je vous fais grâce de la pluie de récompenses qu'il a engrangé !

A noter qu'il existe une "Édition Deluxe" avec un Disc two en plus du Disc "standard" ! Cette deuxième galette contient sept titres inédits supplémentaires ! Pour ma part, mon pote Rico m'a fait écouter la version "standard" ! A mon grand regret !

Si je ne m'abuse, l'actualité de Duffy est (re)devenue un peu plus calme ces dernières années ! Mais bon, Rockferry est une production de qualité qui mérite l'écoute - surtout si vous aimez la bonne soul anglo-saxonne !

A bientôt !

Autant vous le dire tout de suite, pour ne pas vous raconter de cracks, je suis complétement néophyte dans le domaine du hard rock et du metal ! Je ne connais vaguement que deux groupes de noms : Metallica - dont mon camarade Laurent J. était un gros fan au lycée ! - et AC/DC ! Peut-être pourrais-je demander à Joris C., une autre connaissance qui s'affiche toujours avec des T-shirts de ces genres musicaux de me prêter des disques et d'éclairer ma lanterne . A vrai dire non, car cela ne m'intéresse pas plus que cela !

Toutefois, je suis quelqu'un de très curieux et d'assez ouvert et j'ai emprunté à mon pote Rico, le quinzième album sorti au Pays des Kangourous (je précise cela car internationalement, ce n'est que le quatorzième album !) du groupe australien AC/DC ! cette album, c'est Black Ice !

AC/DC, qu'est-ce que cela évoque pour moi ? Un chanteur à la voix nasillarde et éraillée - qui s'appelle en réalité Brian Johnson ! - un guitariste qui fait des shows sur scène en tenue de collégien - et qui se nomme lui Angus Young !

Je ne vais pas ici vous conter l'histoire de cette formation car il faudrait que je me documente sur le net pour cela et la page Wikipédia - en anglais - qui leur est consacrée est assez copieuse ! Je le ferais certainement une autre fois si je prends leur carrière par le menu, dès les premiers opus ! Concentrons-nous ici sur Black Ice, album de 2008 - donc assez récent dans une longue carrière commencée en 1973/1974 (ce groupe a quasiment pile mon âge à un ou deux ans près !). La composition d'AC/DC a changé au fil des ans, autour de quatre membres à la fois et un effectif évoluant au fil des décennies d'une douzaine de musiciens au total qui se sont succèdés ! ce sont enfin des bêtes de scène qui enflamment les stades !

Black Ice est chez les disquaires le 18 octobre 2008 en Australie et deux jours plus tard à l'international. AC/DC n'avait pas sorti d’album depuis huit ans avec Stiff Upper Lip.

Dans cette galette, on célèbre le Rock'n'Roll - le terme revient dans la plupart des titres : "Rock'n'Roll Train", "She Likes Rock'n'Roll", "Rock'n'Roll Dream" ou "Rocking All The Way" ! Le champ lexical est celui de la guerre, du combat, de l'incendie ! Bref, le son va se déchaîner - à l'image du titre "Decibel" -  et les basses résonner fort ! Je ne vous fait pas un dessin, c'est du hard rock - accompagné d'une bonne dose de blues rock ! Quinze titre en tout sur cet album !

Voilà, je n'ai pas grand chose à en dire de plus car encore une fois ne suis pas spécialiste du genre et pas compétent ! Mon ressenti de néophyte est que cela s'écoute ! Je pense toutefois que ce ne doit pas être leur meilleur album et donc difficile de juger là-dessus ! On entrera dans le vif du sujet une autre fois quand on écoutera les albums et les chansons vraiment emblématiques ! J'ai encore toute une culture musicale à me forger !

A signaler que, dans la même période, 2010, AC/DC a sorti la B.O. du film Iron Man 2  de Marvel Studios, film d'action qui dépote comme leur musique ! En même temps, écouter du hard rock peut soit vous casser les oreilles, soit vous donnez une bonne pêche, c'est selon !

En conclusion, l'écoute de Black Ice - sans doute aussi assez typique de la production et du genre - m'a paru, sinon agréable, du moins intéressante !

A bientôt !

Dido Florian Cloud de Bounevialle O'Malley Armstrong a eu bien raison d'abréger son patronyme en Dido, chanteuse pop-rock de la scène anglaise, née en décembre 1971 - à Noël ! -  dans le quartier londonien de Kensington ! Une fois de plus, je vais vous parler d'une artiste complète puisqu'elle est aussi auteur, musicienne et productrice !

Dido a rencontré le succès dès son premier album, nommé No Angel  et sorti en 1999 qui explosera en tête des ventes en 2001 ! Succès précoce à relativiser car il aura fallu un petit délai ! Depuis Dido s'est assurée une certaine aisance financière puisqu'elle fait partie des dix artistes les plus riches du monde !

Dès sa sortie, No Angel a reçu de bonnes critiques de la presse et certains lui prédisaient - avec raison  ! - un joli succès ! Pour accompagner ce disque, l'artiste fait ses premiers pas sur scène au  Lilith Fair, un festival féministe et entame une tournée sud-américaine !

L'album a donc mis du temps à se faire connaître mais se révéla ensuite un carton plein ! Le premier single extrait de l'opus, "Here with Me", a même été en quelque sorte été boycotté avec son clip jugé trop austère ! Une nouvelle vidéo est alors retournée, avec une Dido plus souriante, ce qui ne change pas beaucoup la donne ! Le vent tourne avec la série américaine de SF pour jeunes adultes, Roswell, qui demande alors l'autorisation d'utiliser "Here with Me" pour son générique ! Cela va grandement booster les ventes du titre !

Le second miracle a lieu en 2000 lorsqu'un producteur du rappeur blanc Eminem repère la chanson "Thank You". Le type sample le morceau et le propose à son protégé qui est emballé et écrit les paroles de "Stan", l'histoire d'un fan extrémiste, sur cette musique, titre qui se démarque de la production habituelle du rappeur ! Eminem demande alors l'autorisation à Dido de sortir "Stan" et l'artiste britannique est conquise et apparaîtra même dans le vidéo-clip plus tard  !

Avec Eminem, Dido est exposée au public américain et les ventes de No Angel  s'envolent ! Elle atteint le TOP 10 au Pays de l'Oncle Sam avec plus d'un million d'exemplaires de son album vendus en peu de temps !

De là, le phénomène Dido va se répercuter au monde entier et en France, cet album au démarrage si difficile, sort en janvier 2001 ! Je l'ai d'ailleurs acheté à l'époque même si là, c'est mon pote Rico qui me l'a prêté car mon CD est resté chez mes parents ! Je l'ai réécouté avec plaisir - en particulier "Here with Me" et "Thank You", les deux chansons phares du disque !

Que quoi parle "No Angel" et Dido en général ici ? Et bien sans surprise de relations humaines, d'histoires d'amour qui se poursuivent ou à contrario se terminent ! Bref de chaleur humaine ! Ce n'est pas très original à priori sur le fond mais la forme est élégante et maîtrisée ! Dido a une belle voix et un joli minois pour un album un peu éthéré !

Après l'explosion de l'album, d'autres titres qui en sont tirés vont passer à la radio ; "Hunter" et "All You Want" ! La galette contient 11 pistes dont "My Lover's Gone", "Honestly Ok", "I'm No Angel" - titre éponyme ou encore "My Life" !

L'histoire de cet album nous montre que le relationnel- et le réseau ! - est primordial pour les artistes !

A bientôt !

Originaires de Los Angeles, les Black Eyed Peas sont un groupe de rap américain, influencés par le R&B, la techno, la pop, la dance, l’electro house, le latino et le funk ! La formation est composé de will.i.am - dont on connaît le goût pour les nouvelles technologies - , de apl.de.ap, et de Taboo rejoints ensuite par la chanteuse Fergie !

C'est véritablement l'arrivée de Fergie et la sortie de l'album Elephunk -  en 2001/2003 - qui fait décoller ce groupe réuni en 1995 !

The E.N.D. - acronyme pour "The Energie Never Dies" - est le cinquième album des Black Eyed Peas, sorti en 2009. il marque aussi la collaboration du groupe avec le D.J. et compositeur David Guetta qui a produit deux des morceaux de la galette, à savoir "I Gotta Feeling" - et son ambiance "party" - et "Rock That Body" tout aussi festif ! Ceci s'inscrit dans toute une série de collaborations de Guetta, à l'époque, avec différents artistes !

"Boom Boom Pow" est le premier extrait de The E.N.D. - avec ses résonances clairement électro ! - et sort en mars 2009, se classant tout de suite en tête des classements mondiaux ! Preuve que le groupe a fait bien su chemin depuis ses débuts !

Internet a aussi fait beaucoup pour les Black Eyed Peas, et, menée par wil.i.am, le technophile, la formation d'artistes surfe sur et utilise à plein les nouvelles technologies tant dans la conception de leurs sons, l'imagerie de leurs clips ou la promotion ! "Imma Be", le second extrait est ainsi diffusé la première fois sur le net !

Un vrai et vaste carton planétaire pour cet album ! La consécration avec les chansons diffusées quasiment en continue sur les radios ! Et 4,6 millions d'exemplaires écoulés dans le monde ! "I Gotta Feeling" est le plus gros hit de leur carrière à ce jour !

J'aime particulièrement le clip de "Meet Me Halfway" très onirique et éthéré ! Les Black Eyed Peas y déploient toute leur imagerie et leur mystique ! La musique peut véritablement être transcendante avec eux !

Un album incontournable à bien des égards ! Avec des sons très variés touchant à toutes les influences musicales du groupe mentionnées en début de ce billet !

Mon pote Rico m'a bien entendu prêté cet album mais je le possédais déjà et le CD était resté chez mes parents !

Gageons que ce n'est pas la fin pour les Black Eyed Peas !

A bientôt !

Nous allons maintenant nous intéresser à Tamara Marthe, plus connue sous son pseudo de Shy'm - à travers son troisième album Prendre l'air, plus orienté pop que les précédents albums R'n'B de l'artiste !

Shy'm a parcouru bien du chemin depuis ses débuts en featuring de K-Maro dans "Histoire de luv'". Ça, c'était en 2005 ! Grâce à K-Maro, elle sortira l'année suivante son premier single, "Femme de couleur", tiré de son premier album studio, Mes fantaisies.

Cette jeune femme est plutôt, selon moi, une chanteuse qui cible les adolescentes et les jeunes femmes qui peuvent se reconnaître dans son parcours ! Shy'm traite de leur préoccupations, partage leurs hobbies - en particulier la danse ! Doit-on pour autant la cantonner dans ce cœur de cible ?

Si Shy'm a commencé sa carrière dans le registre R'n'B, elle fait prendre à son répertoire une orientation plus pop - comme on l'a dit en introduction ! - à partir de l'album Prendre l'air,  sorti en 2010, virage confirmé avec l'album suivant, Caméléon, en 2012 ! Peut-être est-ce là une volonté d'élargir son public ? Sans doute ! Et de toucher à autre chose !

Signalons que Shy'm est aussi animatrice - à partir de 2017 - de l'émission de radiocrochet Nouvelle Star ! Côté télé, elle a aussi remporté la deuxième saison de l'émission Danse avec les stars, preuve s'il le fallait que la danse est une corde important à son arc ! Il suffit de voir ses clips pour le comprendre !

Cinq singles ont été tirés de l'album Prendre l'air -  pour en revenir à lui ! On a eu "je sais", "je suis moi", 'Prendre l'air", le titre éponyme et enfin "En apesanteur", reprise de Calogéro ! Avec ses titres, Shy'm impose sa voix qui retentit haute et claire et nous reste en tête !

Prendre l'air est monté jusqu'à la 6ème place des Charts -  à peu près la même performance que Mes fantaisies à ses débuts mais en deçà de Reflets, sa deuxième galette ! Triple Platine sur la durée, il reste toutefois, ce troisième album, la plus forte vente de Shy'm ! Car 117 semaines dans le TOP 200 !

Il faut signaler qu'il existe une version collector ainsi qu'une version deluxe de l'album - avec un DVD et une interface pour PC !

Que dire des chansons en elles-même ? On a 12 chansons sur le CD plus deux titres bonus sur certaines éditions ! Ça reste rythmée et entraînant ! Ça parle d'amour, de rupture, d'affirmation de soi, de trouver sa place pourrait-on dire ?! Les titres sont évocateurs : "Ne pars pas", "j'entends encore les mots", "Mauvaises nouvelles", "Déjà vu" ou "Loin derrière". ! Et bien évidemment, une chanson sur la danse, l'autre passion de Shy'm avec le titre "Elle danse" !

Au final, c'est plaisant et bien calibré ! La voix de Shy'm est agréable ainsi que l'orchestration mais cela reste assez  banal et sans grande surprise ! Un album qui ne sort pas du lot selon moi et qui ne m'a pas convaincu ! Après l'artiste est jolie femme et a une certaine grâce et un certain charme/ charisme ! A voir sur la durée d'une carrière qui s'annonce pourtant déjà éclectique : Shy'm est en effet auteure-compositrice-interprète et comme on l'a vu danseuse, réalisatrice et animatrice télé !

Je remercie mon pote Rico de m’avoir prêté l'album ! Je ne pensais pas qu'il écoutait ce genre de musique !

A bientôt !

PS : Ai dépassé ces jours-ci les 100.000 visiteurs cumulés sur mon eklablog ! Merci à toutes et tous !

Lady Gaga est une artiste qui a défrayé la chronique au début des années 2010 ! Adulée, elle est une chanteuse aux multiples talents, par ailleurs icône gay, jouant du piano, produisant des clips emblématiques et marquants sous le label Streamline, imposant les tendances de la mode (la fameuse robe en viandes), provoquant le scandale et faisant la une de la presse people ! En 2018, le phénomène est un peu retombé mais on eut alors entre 2008 et 2012 une vraie "folie Gaga" où elle occupait tout le devant de la scène avec l'habileté d'une Madonna ou d'une Britney Spears !

De fait, Lady Gaga - alias Stefani Joanne Angelina Germanotta - cultive son propre univers avec son imagerie, ses thèmes et ses codes ! Le double album de 2009, The Fame Monster,  nous fait largement rentrer dans ces mondes entre fantasmes et cauchemars !

De quoi s'agit-il ? En fait du deuxième album de Lady Gaga ! Le premier, sorti en 2008, s'intitulait The Fame (la "célébrité") et un deuxième CD fut ajouté à cet album, lors de sa réédition, avec huit titres, pour constituer The Fame Monster  !

The Fame  contient les chansons qui ont lancé la chanteuse ! On retrouve "Just Dance" avec Colby O'Donis - avec un clip dans lequel Gaga pas dénuée d'autodérision singe Hugh Hefner et s'ébat dans une piscine gonflable minuscule avec un orque en plastique, "Lovegame", son hymne à l'amour - plus au libertinage en fait semble-t'il ?, "Paparazzi" où l'artiste surmédiatisée s'attaque déjà à cette caste de parasites et enfin "Poker Face" ! Des refrains très entraînants pour des tubes entre disco, techno et pop débridée ! D'autres titres parmi les seize de ce premier CD : "Eh Eh (Nothing Else I Can Say)", "Beautiful, Dirty, Rich", "Paper Gangsta", "Summerboy" ou "Disco Heaven" !...

Mais critiquer/Chroniquer cette première galette n'est pas ici mon propos ! Le ferais peut-être à l'occasion d'un billet plus spécifique sur The Fame - et en revenant sur la biographie et la formation de l'artiste ! - ou pas !

Parlons de l'autre CD, celui qu'on a rajouté - avec ses huit titres ! Ces tubes traitent de la facette plus sombre de la célébrité - d'où le "monster" ! Chaque piste incarne un "monstre" qui est une métaphore pour représenter une peur (et oui ! Il y a du concept chez Gaga !) !

Les titres marquants de ce second opus sont surtout "Bad Romance" - le premier single de l'album, "Telephone " (avec Beyoncé Knowles en Thelma et Louise !) ou encore "Dance in the Dark", moins "connu".

Dans certains pays toutefois, The Fame Monster - le CD de huit titres - a été vendu indépendamment de The Fame  - l'album de seize titres - et donc dans d'autres, comme la France, sous le titre The Fame Monster,  on a cet album éponyme et The Fame regroupés ! Suis-je assez clair ?

Comme toujours, les clips sont très esthétisés, provoquant et tout cela est très réfléchi - dans une démarche artistique totale !

Lady Gaga, durant la promotion du résultat achevé, a pas mal insisté sur les touches gothiques de The Fame Monster ! Le thème de l'argent est aussi sous-jacent mais n'est pas abordé directement. L'album parle de quitter certaines choses pour passer à d'autres ! Je vous laisse écouter l'album et décoder ces propos bien énigmatiques !

On notera aussi des similitudes avec Boney M ou Depeche Mode, ne particulier dans le refrain de "Bad Romance" ! Gaga puise à toutes les sources de sa culture musicale qu'on imagine assez étoffée pour cette artiste complète ! Des références à la mort - et aux zombies - dans les chansons "Monster" et "Dance in the Dark" et cela c'était avant la vague Walking Dead à la télé (mais pas en comics qui date de 2003 !). La mort aussi avec l'évocation des destins tragiques de Marilyn Monroe, Judy Garland ou Lady Diana !

Le rock est présent dans le titre "Speechless" ! Avec comme thème les relations violentes et sulfureuses, bref toxiques quelque part ! On retrouve beaucoup de batterie (la violence) dans ce titre ! Ainsi que des harmonies vocales et des solos de guitare, référence cette fois à Freddie Mercury et son groupe Queen dont là encore Gaga est une grande fan ! Mercury autre icône gay au même titre que notre miss Germanotta !

On pourrait encore multiplier les influences : Ace of Base et ABBA - en allant chercher du côté de l'Europe du Nord ou encore la musique gospel et les références au sado-masochisme ! Quand on vous dit que c'est un univers musical très riche - et un peu lugubre, je vous l'accorde ! Mais pas réductible à cela !

Ceci explique le succès de l'album tant vis-à-vis du public qui a répondu largement présent que dans les critiques des professionnels ! Lady Gaga a fait l'effet d'un météore que la chaîne musicale avec son succès rapide, foudroyant et inattendu ! Une artiste de plus très charismatique !

C'est un must que vous vous devez d'avoir écouté et réécouté ! Moi il fait partie de ma discothèque !

A bientôt !

La musique a ceci de bien qu'elle est un langage international - et si sur la scène mondiale, ce sont surtout les artistes anglo-saxons et américains qui survolent l'ensemble et dominent, on a aussi des stars d'autres mouvances !

Shakira est une artiste venue de Colombie, d'Amérique du Sud donc, qui chante en espagnol et en anglais. Elle s'est faite connaître de par le monde à partir de 2001 en s'associant avec le producteur Emilio Estefan, le frère de Gloria Estefan, avec son tube planétaire, "Whenever, Wherever."

La chanteuse possède d'autres dons que le registre vocal ! C'est aussi une danseuse hors-paire au déhanchement langoureux ! Le but ici n'est pas de faire un panorama de sa vie privée - disons juste qu'elle s'investit beaucoup dans les causes humanitaires, en particulier pour l'enfance et vit avec un footballeur !

Ce dont je voulais vous parler ici, c'est surtout de son septième album studio - et troisième album bilingue, à savoir Sale El Sol  qui donne en anglais The Sun Comes Out , sorti à la fin de l'été 2010 !

Comme tous les albums de Shakira, ce fut un top des charts  -boosté entre autre par la chanson "Waka Waka"  qui fut l'hymne officiel de la Coupe du Monde de Football en Afrique du sud cette même année en 2010 donc !

J'ai donc écouté de manière plus ou moins attentive cette galette qui m'a une fois de plus été prêtée par mon pote et voisin Rico ! Parlant français, anglais et allemand, je ne maîtrise pas par contre l'espagnol et donc le sens des textes m'échappe ! Disons que du disque ressort une sensualité certaine ! C'est exotique, baigné de soleil et de joie de vivre, bref c'est festif et ça sent les vacances ! Évidemment les titres sont tous très dansants ! Et les inévitables ballades !

Shakira a une voix qui porte et sait faire ressortir des émotions ! Je connaissais surtout le titre "Rabiosa", occasion d'un duo avec l'artiste Pitbull - généralement entouré de belles nanas, Shakira ne fait pas exception ! - et accompagné d'un clip, avec une Shakira en brune ! -  qui nous montre une... fête !

Comment résumer plus avant ce CD ? C'est "rock" avec ses accords de guitare, "romantique" et "latino" ! Shakira a révélé à MTV que c'était un album "très personnel" car il lui rappelle différentes époques de sa carrière. Elle affirme enfin "s'être reconnecté à [elle-même]" !

Bien entendu, une tournée mondiale, "The Sun Comes Out World Tour" a suivi où Shakira interprétait des chansons de cette album éponyme mais aussi du précédent She Wolf !

Les titres marquants - qui ont fait l'objet de singles ! - sont "Loca", "Addicted to You", "Rabiosa" et "Waka Waka - This Time for Africa" sur la quinzaine de chansons de l'album - dont les trois derniers titres sont du "Bonus Material". Enfin, la version numérique contient un seizième titre !

J'aurais sans doute l'occasion de vous reparler de Shakira !

A bientôt !

Qui ne connaît pas le groupe de rock irlandais U2 ? Avec notamment la grande figure de Bono, toujours engagé dans maintes causes politiques et humanitaires ! Nous n'allons pas revenir ici sur l'histoire du groupe depuis sa formation mais poser le focus sur un de ses plus célèbres albums, le troisième album studio, War, sorti le 28 février 1983 !

War  est le plus impertinent des albums de U2 jusqu'à présent, étendard de toute une génération avec surtout deux de ses titres parmi les plus connus de la formation, "Sunday Bloody Sunday"  - sur la guerre civile en Irlande du Nord - et "New Year's Day" ! Toujours et déjà l'engagement politique ! Un opus combattif donc !

U2 sortait alors de la tournée liée à son précédent album October, galette qui avait connu un succès mitigé ! Il s'agit dès lors de se relancer et de travailler sur un nouveau disque. Le groupe s'adjoint les services de Jimmy Destri, claviériste de Blondie ou encore de Sandy Pearlman qui a travaillé avec The Clash ! Steve Lillywhite est à la production.

Le premier titre à naître des sessions d'enregistrement est "The Refugee", morceau très pêchu et à message !

War  est véritablement le disque qui va faire passer U2 du statut d'espoirs du rock à celui de stars mondiales ! Il faudra désormais compter avec Bono et The Edge !

Cet album doit, dans l'esprit du groupe, décrire leur époque, la fin de la Guerre Froide - dont on ne sait pas - mais on le pressent devant l’essoufflement de l'URSS ! - que c'est la fin ! Mais pas la fin de l'Histoire, n'en déplaise à Fukuyama ! En 1983, il y a encore de nombreuses crises dans le monde comme la course aux armements, tensions avec l'IRA, guerre des Malouines...

L'album se compose de dix chansons - ce qui est peu ! - mais quelles chansons ! Ca s'ouvre fort avec "Sunday Bloody Sunday" - un style direct d'une rare intensité caractérise ces titres ! Le disque ne traite cependant pas que de la guerre mais aussi de l'amour sous toutes ses formes : "Faites l'amour, pas la guerre !".

"Seconds" est une chanson qui parle de la prolifération nucléaire - et place pour la première fois The Edge en interprète principal.

"New Year's Day" avec son introduction au piano et ses déchirures de guitares au refrain est désormais un titre mondialement célèbre. Tout comme l'est son clip. Clip qui symbolise bien le "rock héroïque" de U2 !  La chanson puise ses origines dans une chanson d'amour de Bono à sa femme puis fut plus tard dédiée à Lech Walesa et à son syndicat contestataire en Pologne, Solidarnosc ! On ne perds jamais de vue l'engagement politique avec U2 !

"Like A Song" est le morceau le plus violent de l'album où Bono s'en prends aux critiques musicales et aux punks guère crédibles à cette époque.

"Drowning Man" est une ballade. "Two Hearts Beat as One" avec son clip tourné devant le Sacré-Coeur à Paris, est une chanson d'amour écrite durant la lune de miel de Bono aux Bahamas. "Red Light" voit lui la contribution des trois chanteuse du groupe Kid Creole and the Coconuts qui apportent une touche féminine à l'album? "Surrender" est un morceau complexe écrit par Bono qui parle de la drogue pù il est dit qu'il faut savoir abandonner ce qui est mort en soin sa part d'ombre !

La chanson "40", enfin, avec son refrain "How long to sing this song" clôture l'album et fera de même pendant longtemps pour les concerts de U2.

Un album qui fait aujourd'hui l'unanimité ! Pourtant les critiques furent plus mitigées à sa sortie ! On eut évidemment droit à une tournée promotionnelle, les membres de U2, Bono en tête, étant de grandes bêtes de scène - qui attira les foules et contribua à la renommée du groupe !

Aujourd'hui War est une des pierres angulaires des années 1980 ! Une œuvre d'art, un des 1001 albums qu'il faut avoir écouté dans sa vie" ! Je possède cet album depuis ma jeunesse et à l'époque de son achat, dans les années 1990, n'avais pas été plus emballé que cela mais avec la maturité, et en le réécoutant aujourd'hui, je dois dire que c'est "du tout bon" !

Pour votre culture musicale, un passage obligé !

A bientôt !

Alain Bashung était un Monument de la chanson française, une icône rock à la forte personnalité ! Il est devenu célèbre avec des titres comme Gaby ! Oh Gaby ! ou Vertige de l'amour.

Pour ma part, je l'ai découvert en 1992 avec ses albums Osez Joséphine ! et sa chanson Ma Petite Entreprise. Son décès, le 14 mars 2009, laisse un grand vide dans le paysage musical français ! Bashung n'était pas que chanteur mais aussi auteur-compositeur - et avec beaucoup de talent ! Il y a eu Gainsbourg et il y eu Bashung !

Mon voisin Rico m'a prêté Bleu Pétrole - qui est le douzième -  et surtout dernier ! -  album studio de ce grand artiste, sorti le 24 mars 2008. On attendait un album de Bashung depuis 2002 et L'Imprudence et le live de 2004, La Tournée des grands espaces !

Bleu Pétrole  a été écrit en grande partie par Gaetan Roussel de Louise Attaque et Gérard Manset. Il marque un retour à la chanson française teintée de rock qui fit le succès de Bashung dans les années 1990 - après les expérimentations des années 2000.

L'artiste entama une tournée à la suite de la sortie de l'album qui commençait par le titre "Comme un Lego".

C'est un album plein de poésie, d'où se dégage une certaine mélancolie. L'ensemble n'est pas dénué d'une espèce d'humour très subtil qui penche du côté de l'ironie. Les Inrockuptibles ont qualifié cette galette d'"immense chef- d’œuvre" !

J'ai beaucoup aimé l'écoute que j'en ai faite pour ma part ! Même si il faudrait que je le réécoute plus longuement ! Les mélodies sont réussies et vous emportent, les paroles et textes sont clairement inspirés. Bleu Pétrole contient 11 titres - c'est peu mais la qualité est là ! On commence avec "Je t'ai manqué'" - comme si Bashung faisait ce constat à propos du fan qui écoute l'album ("Et oui tu nous as manqué !  Et tu nous manquera encore plus cruellement désormais !"). Et on termine avec "Il voyage en solitaire" car on n'est jamais que tout seul dans l'existence !

J'ai adoré le titre "Sur un trapèze" - qui est je crois celui qu'on a le plus entendu à la radio ! Je retiens "Je tuerai la pianiste" - très drôle et très entraînant/rock ! "Suzanne" est une reprise adaptée en français d'une chanson de Suzanne Vega, autre artiste que j'aime bien et dont je vous parlerais un jour aussi !

On appréciera le jeu de mots du titre "Résidents de la République". Les autres chansons ont pour noms "Tant de nuits"," Hier à Sousse", "Vénus" ou "Le Secret des banquises" !

Voilà, je vous laisse à votre écoute ! C'est un très bon album de Bashung et un très bon album tout court !

A bientôt !

P!nk - de son vrai nom Alecia Beth Moore - est une petite blonde pétillante, chanteuse pop de son état ! Je vais aujourd'hui vous entretenir de son cinquième album studio, sorti fin 2008 et intitulé Funhouse chez LaFace Records !

Un album de notre chanteuse qui rencontra le succès autant public que critique ! Il obtint trois nominations aux Grammy Awards ainsi que cinq autres aux MTV Vidéo Awards ! Il fut suivi par un album live qui couvrait un concert en Australie : le Funhouse Tour : Live in Australia !

La chanteuse se livre dans cet album - qu'elle considère comme celui ou elle se montre la plus vulnérable car la plupart des chansons de la galette ont trait à la séparation récente alors d'avec son mari, Carey Hart, un champion de motocross. C'est le cas des singles "So What" et "Please Don't Leave Me". Moore est particulièrement fière de la chanson "Crystall Ball" qu'elle a enregistré en une seule prise sans remixage !

Outre "Sober" - le deuxième single de l'album -  et "Please Don't Leave Me", on trouve les titres "It"s All Your Fault", "Ave Mary A" sur les problèmes du monde, "One Foot Wrong" sur un mauvais trip à l'acide !

Ce que je retiens, mon titre préféré, c'est le single "Funhouse" qui donne son titre à l'album ! P!nk voit en effet la vie comme une scène de comédie ! Elle chante" This use to be a Funhouse ! But now it"s full of evil clowns !" (Ceci était un lieu d'amusement ! Mais maintenant, c'est rempli de clowns maléfiques" ! Il ne s'agit pas tant d'une référence à Ça de Stephen King, j'y vois plutôt une allégorie de l'Amérique d'un George Bush Jr. qui terminait alors son mandat - et c'est valable aussi pour les USA de Donald Trump ! Résistons !

Cela reste un album très festif mais non dénué de profondeur !

A vrai dire, je ne suis pas un grand fan de musique - ai néanmoins acheté la collection complète de 50 fascicules et CD TOP 50 ! Je tiens à remercier mon camarade et voisin Rico pour m'avoir prêté cet album de P!nk !

A bientôt !

Nous allons maintenant parler d'un groupe de rock progressif, Supertramp, auquel je ne m'interessais pas plus que cela jusqu'à tout récemment - et pas davantage depuis ! - mais dont j'avais déjà entendu les compositions les plus célèbres sur la bande FM sans nécessairement parvenir à les identifier !

Or il se trouve que j'ai deux voisins qui s'intéressent particulièrement à la musique ! Le premier, Damien, est un fou furieux de Bob Dylan, de David Bowie et des Beatles et possède des vinyl et surtout des CD de ces artistes parfois jusqu'en dix exemplaires du même album-CD encore sous plastique ! L'autre, c'est mon bon Rico et c'est lui qui m'a fait (re)découvrir Eminem (bien que j'écoute la radio rap Skyrock depuis 1998 !) et donc découvrir Supertramp !

Je ne me cache pas que je m'appuie sur la page Wikipédia consacrée au groupe londonien, fondé en 1969 par Rick Davies et Roger Hodgson (le groupe, pas la page !), pour rédiger cet article ! Je vous ferais toutefois partager mon ressenti suite à l'écoute de leur compile "The Very Best of Supertramp" !

A l'origine, le groupe Supertramp souhaite réaliser des albums-concepts d'ampleur mais deviendra vite célèbre par des titres comme Dreamer, Goodbye Stranger ou encore Breakfast in America !

Davies et Hodgson resteront toujours les leaders et figures emblématiques de Supertramp ! Ce sont deux musiciens de formation à l'origine de toutes les chansons de l'entreprise. Davies, par exemple, est né en 1944, dans une famille d'ouvriers et a découvert la batterie très tôt à 12 ans ! Influencé par Gene Krupa, il intègre différentes petites formations musicales, une fanfare et un groupe de rock, Vince and the Vigilantes, découvre le rythm'n blues à travers Little Richard, Fats Domino et Chuck Berry. il intègre ensuite la Swindon Art School où il fonde un groupe de blues avec Raymond/ Gilbert O'Sullivan, Rick's Blues, qui rencontre un succès international mais est dissous suite à la maladie de son père et à l'obligation pour Davies d'aller travailler comme soudeur ! Enfin un peu plus tard, au milieu des années 1960, Davies intègre les Lonely Ones !

C'est Rick Davies qui fait passer une audition - "Genuine Opportunity" -  et recrute Roger Hodgson juste avant la formation de Supertramp en 1969 ! Hodgson est un fils de famille aisée qui joue de la guitare depuis l'âge de 12 ans ! Hodgson quitte l'école à 18 ans et fond le groupe People Like Us - qui est rapidement dissous. Néanmoins, Hodgson enregistre un morceau avec Elton John , alors inconnu à l'époque, en 1968.

Outre Davies et Hodgson, la première "mouture" de Supertramp comprends en outre Richard Palmer (guitare, chants...) et Robert Millar (percussions, harmonica). Le groupe prends alors provisoirement le nom de Daddy avant d'opter pour Supertramp d'après le nom d'un roman de William Henry Davies écrit en 1908 ! Ils décrochent un contrat chez A&M Records.

Leur premier album, Supertramp, sort en août 1970 ! Ce sont surtout Hodgson, Davies et Palmer qui ont écrit les morceaux, les deux premiers la musique et le troisième les paroles ! Pas de succès commercial à ce moment là !

Il y a ensuite des changements dans la composition du groupe, des départs et des arrivées ! Richard Palmer s'en va puis Dave Winthrop (flûte et saxophone) arrive ainsi que Frank Farrel (basse) et Kevin Currie (percussions) pour le prochain album ! Roger Hodgson opte lui pour la guitare et change donc d'instrument, délaissant la basse.

L'album suivant, Indelibly Stamped se remarque par un son plus rock, rappelant la dernière période des Beatles ! On lorgne alors vers le rock progressif mais les ventes ne décollent toujours pas !

Au début des années 1970, Supertramp se cherche encore et le succès ne venant toujours pas modifie sa formule, liquide la première version du groupe et recrute à nouveau (Dougie Thomson et John Helliwell à l'été 1972 ou encore Bob Siebenberg !).

Le groupe se débats aussi avec des problèmes financiers et un nouveau single en 1974, Land Ho/Summer Romance, passe quasiment inaperçu !

Pourtant nous savons que Supertramp a fini par percer et devenir un incontournable de la scène musicale anglaise et internationale ! En effet, le succès, tant critique que commercial, arrive enfin lorsque sort en 1974 l'album Crime of the Century, disque d'or en 1975 ! Cet album a marqué les esprits avec le titre Dreamer - emblématique ! - qui se classe vite en tête des Charts ! S'ensuit une éblouissante série de concerts "son et lumières" en Grande-Bretagne et aux Etats-Unis qui permettent à Supertramp d'asseoir sa notoriété naissante !

Même une blessure au bras de Hodgson durant le Crime Tour of America n'entame alors pas le succès du groupe qui entame ensuite une tournée mondiale de huit mois, le Lady Tour ! Puis ses membres s'installent en Californie à la fin de l'année 1976 !

A la fin des années 1970, tandis que le mouvement punk émerge, la formation de Davies et Hodgson réédite son premier album Supertramp !

Un autre grand succès est encore à venir, Breakfast in America, au tournant entre les années 1970 et 1980 !

Voilà, je pourrais continuer mais vous renvoie à la page Wikipédia après m'être arrêté là ! L'article est déjà bien assez long et voudrait vous faire connaître mon ressenti personnel sur mon écoute de ce groupe ! Alors je passe sur le départ de Roger Hodgson en  1983, la séparation la reformation, le Tour "anniversaire" !...

Globalement, j'ai une impression assez positive de la musique de Supertramp ! Souvent planante, c'est une musique que je trouve "apaisante", calmante, pleine de poésie et de jolies mélodies - en plus la nostalgie jour désormais à plein avec le temps qui a passé !

Je vous renvoie à Youtube ou aux rayonnages de votre disquaire soit respectivement pour découvrir ou acquérir les titres de ce groupe !

Et merci Rico !

A bientôt !

PS : Ce billet constitue le 600ème billet de mon Skyblog - toutes "sections" confondues !

Patricia Kaas est une chanteuse qui a marqué - par sa tessiture vocale notamment - la variété française de la fin des années 1980 et des années 1990. Elle possède son propre univers, ambiance louchant vers les cabarets allemands de l'Entre-Deux Guerres et L'Ange Bleu !

La mademoiselle qui chantera plus tard le blues est née le 5 décembre 1966 à Forbach en Lorraine. Elle est la dernière de sept enfants d'un père mineur et d'une mère, d'origine allemande, femme au foyer. Toute petite, Patricia fait l'admiration de ses proches ! Elle chante, juste et fort ! Sa mère va l'encourager dans sa vocation artistique précoce.

Ce sont d'abord les majorettes puis, à à peine 8 ans, les radios-crochets ! Elle chante du Sylvie Vartan, du Mireille Matthieu, du Claude François et du Liza Minnelli - repris par Frank Sinatra - avec New York, New York en phonétique - ou encore Just a gigolo.

Patricia Kaas grandit à Stiring-Wendel, ville jouxtant la frontière allemande où se parle le « platt ». Ce dialecte qui appartient au moyen allemand est la langue maternelle de Patricia, qui ne parlera pas le français avant l'âge de 6 ans.

Très tôt, elle va se confronter au public, rite de passage implacable, et s'adapte très bien. En effet, à partir de 1979, à l'âge de 13 ans, elle est embauchée pour chanter dans un cabaret de Sarrebruck, le "RumpelKammer Club" où elle chante pendant 7 ans tous les samedis soirs devant un public qui parle, bois, casse la croûte ou chahute ! Elle chante aussi souvent en Allemagne où il y a davantage de foires et de bals qu'en France.

Patricia Kaas est finalement remarquée en 1985 par par François Bernheim qui fait le déplacement en Allemagne pour l'écouter à une Fête de la Bière. Elle va alors produire son premier 45 tours, Jalouse, avec l'aide d’Élisabeth et Gérard Depardieu. Ce premier essai sera -comme c'est souvent le cas pour les artistes émergents - un échec !

A 21 ans, la jeune chanteuse rencontre Didier Barbelivien qui ressort de ses tiroirs une chanson écrite pour et refusée par Nicoletta, Mademoiselle chante le blues, sans trop y croire. Ce sera cette fois le carton Le 23 novembre 1987, la chanson entre au TOP 50 directement à la 29ème place puis grimpe rapidement pour atteindre la 7ème position le 18 janvier 1988. Barbelivien lui confie alors d'autres chansons qui feront la renommée de la jeune artiste et l'installeront dans la mémoire et le cœur des Français. Ce sont : D'Allemagne, Mon mec à moi, Elle voulait jouer Cabaret ou Quand Jimmy dit...

A 22 ans, Patricia Kaas remporte la Victoire de la musique de la révélation féminine - cinq autres Victoires suivront.

Dès lors, Patricia Kaas est entrée dans le cycle du succès avec trois albums vendus à plus d'un million d'exemplaires - Mademoiselle chante en 1988, Scène de vie en 1990 et Je te dis vous en 1993 dont est issu le tube de l'été, Il me dit que je suis belle (Goldman) où on retrouve une Patricia Kaas, langoureuse sur une plage, qui affirme sa féminité. Des auteurs-compositeurs renommés vont concevoir des tubes pour elle, ainsi Jean-Jacques Goldman et Pascal Obispo se succèdent.

A cette époque, la chanteuse tourne aux quatre coins du monde, URSS avant l'effondrement du Bloc communiste, concert humanitaire à l'invitation de Pavarotti à Modène. Elle intègre aussi la troupe des Restos du Cœur !

Après avoir enregistré Café Noir - un album en anglais qui ne sortira pas, elle tente de moderniser son image en 1997. Goldman lui compose alors Dans ma chair puis Obispo, l'album suivant, Le Mot de passe. Si ses ventes de disques sont en léger déclin, elle remplit par contre toujours les salles.

Les années 2000 seront plus difficiles pour Patricia Kaas avec notamment l'échec du film de Claude Lelouch, And Now, Ladies and Gentlemen... avec Jeremy Irons. Toutefois, 2009 marque son grand retour avec un nouvel album Kabaret en hommage aux années 1930. Une nouvelle tournée internationale a lieue. Le 16 mai 2009, à la demande de France 3, elle représente la France au Concours de l'Eurovision avec Et s'il fallait le faire mais on connait les copinages de ce concours ("France - 1 point ! Yougoslavia - 12 points !").

En 2012, à l'occasion du 50ème anniversaire du décès d’Édith Piaf, Miss Kaas sort un album hommage : Kaas chante Piaf. Là encore nouvelle tournée !

Enfin, signalons qu’en novembre 2011, elle a sorti sa première autobiographie, L'ombre de ma voix !

Certes, ce n'est plus le succès des années 1990 pour Patricia Kaas, plus discrète ! Néanmoins, elle a marqué son époque et continue d'avoir une actualité et de faire salles combles !

Personnellement, ce n'est pas trop ma tasse de thé même si je ne déteste pas et reconnait son talent ! Par contre, mon paternel adore !

A bientôt !

Daniel Balavoine est un artiste complet, à la fois auteur/compositeur et interprète, représentatif et porte-parole de toute une génération, celle qui avait entre 20 et 30 ans dans les années 1980. Il connut un destin tragique sur le Paris-Dakar 1986 !

Il est né le 5 février 1952, à Alençon, dans l'Orne, issu d'une famille originaire des Landes et du Pays Basque, dans une grande fratrie. Son père est ingénieur en urbanisme et muté en Algérie. Puis ses parents se séparent et l'enfant entre en pension, ce qui lui donne une profonde aversion pour la religion et la discipline. Toutefois, l'écoute des Beatles, à cette époque, à 11 ans, va provoquer son goût pour la musique !

Entre 1968 et 1972, Daniel fait ses débuts comme chanteur de bal en interprétant du Bob Dylan. Il monte plusieurs fois à Paris, puis il entre dans le groupe Présence mais le quitte lorsque celui-ci signe avec Warner Bros.

Ce sont ensuite, jusqu'en 1978, des années de galère pour le jeune chanteur qui se fait disquaire pour joindre les deux bouts. Toutefois, il signe avec la maison de disques Vogue, sort un 45 tours, Viens vite, qui ne se vends pas et garde un mauvais souvenir du directeur artistique. Ensuite, il se fait choriste, ayant une très grande tessiture et étendue vocale, puis collabore à la comédie musicale La Révolution Française de Claude-Michel Schönberg.

En 1974, Patrick Juvet, star de l'époque, l'engage pour sa tournée et lui fait produire un autre 45 tours, Couleurs d'automne, qui sort chez Barclay. Balavoine fait alors la connaissance d'Andy Scott, son ingénieur du son, inséparables par la suite !

Le jeune chanteur sort son premier 33 tours en mars 1975, De vous à elle en passant par moi, qui restera confidentiel. A cette époque, il croise, devient amoureux ainsi que le pygmalion de Catherine Ferry qui finira seconde à l'Eurovision en 1976 - pour la France - avec les frères Daniel et Guy Balavoine comme choristes.

En avril 1977, suite à un voyage marquant en Pologne, Balavoine sort Les Aventures de Simon et Gunther. On y sent l'influence des Rubettes et de Queen autant que des Beatles.

Sa route croise alors celle de Michel Berger - qui deviendra son ami - et qui prépare alors l'opéra-rock Starmania ! Ceci va contribuer à lancer sa carrière ! L'album studio de Starmania sort en octobre 1978 et c'est enfin le succès pour Balavoine ! Il chante SOS d'un terrien en détresse et Quand on arrive en ville avec sa voix dans les aigus.

A l'aube des années 1980, Balavoine enregistre son troisième album Le Chanteur qui trouve enfin son public ! A partir du Chanteur, il ne se passera plus une saison sans un tube de Balavoine !

Mais l'artiste ne cesse de se questionner sur le succès - si fugace - sur ce que signifie la gloire, sur le rôle de l'artiste dans la société. Il s'engage alors à sa manière dans le débat politique, tient tête, dans le Journal du midi d'Antenne 2, à François Mitterrand, le 19 mars 1980, accusant les politiques d'ignorer la jeunesse. Ayant des idées de gauche, le chanteur soutient Coluche à l'élection présidentielle de 1981.

Son registre est entre variétés et rock français, genre qu'il juge pauvre alors. Balavoine veut penser grand et large. Il s'entoure, avec Andy Scott, de musiciens et techniciens anglais.

Au début des années 1980, il enchaine les hits : Me laisse pas m'en aller (1979), Mon fils ma bataille et Je ne suis pas un héros (1980), Vendeurs de larmes (1982), Pour la femme veuve qui s'éveille et Dieu que c'est beau (1983).

Balavoine est multifacettes : chanteur de variétés et chanteur engagé, chanteur à minettes et chanteur à textes, il continue son engagement politique, milite contre le racisme, pour le développement humanitaire en Afrique... Son dernier album Sauver l'amour ne parle que de cela : changer la société mais de manière réaliste sans révolution sanglante ! Ce sont ses derniers tubes L'Aziza et Tous les cris, les SOS.

Hélas le destin le rattrape et il décède tragiquement et précocement dans un accident d'hélicoptère, au Mali, dans le désert, avec le fondateur du Paris-Dakar Thierry Sabine le 14 janvier 1986, année tragique qui verra aussi le décès prématuré de Coluche.

Balavoine devient alors le premier numéro 1 du TOP 50 à titre posthume et son titre Sauvez l'amour atteindra la 5ème place. Il décède à seulement 35 ans et le public gardera de lui l'image d'un homme engagé, réaliste, à fleur de peau, profondément humain et sensible !

Nul doute que lui aussi aurait été Charlie !

A bientôt !

Eurythmics est un groupe de pop rock - avec un son assez électronique - emblématique d'une certaine époque, les années 1980. Il se compose de deux artistes, la chanteuse au look androgyne Annie Lennox et le musicien compositeur décalé Dave Stewart. Occasionnellement, ils s'entourent d'autres musiciens ou de choristes (comme la chanteuse Joniece Jamison).

J'écoutais ce groupe à la fin des années 1980 - de 1989 à 1991 - alors que leur heure de gloire était derrière eux et qu'ils avaient sorti leur Best-Of. A l'époque, en effet, je venais de faire l'acquisition d'un lecteur de CD alors que la cassette audio était en train de disparaitre !

Annie Lennox est connue pour sa voix qui porte et Dave Stewart davantage pour ses excentricités et ses délires mystico-religieux. Ils ont marqué leur époque avec des titres comme Sweet Dreams (are made of this) ou There must be an angel (playing with my heart).

Le duo se rencontre dans les années 1970 et travaillent ensemble dans les groupes The Catch puisThe Tourist avant d'adopter le nom d'Eurythmics en 1980 à Londres. Le groupe va alors rencontrer peu à peu le succès commercial et artistique !

Le premier album The Garden est un échec mais la gloire est au rendez-vous avec le second opus - Sweet dreams - qui contient la célèbre chanson du même nom. Dans le clip, le duo arpente la campagne anglaise. Eurythmics est propulsé du jour au lendemain à l'avant-scène !

Les deux compères sont des figures phare de la scène New Wave - ce que conforte l'album suivant - The Touch. Les albums suivants, Be Yourself Tonight est plus d'influence R & B tandis que Revenge se tourne vers un son encore plus rock ! Le groupe diversifie donc son style pour marquer encore plus les esprits !

Mais à la fin des années 80 - ayant peut-être "fait le tour", le groupe se sépare après deux autres albums Savage et We Too Are One. Le groupe renaitra en 1999 le temps de l'album Peace !

A partir de ce moment, les deux "associés" suivent soit des carrières solo soit prennent la tête de nouvelles formations. Annie Lennox chantera la chanson titre du film de Coppola de 1992 : Dracula (et les albums Diva puis Medusa) et Dave Stewart produira les groupes Dave Stewart and the Spiritual Cowboys - dont j'étais "amoureux" de la guitariste au look de garçonne ! - ou encore le duo féminin, Alisha Attic ! Il sortira aussi en 1995 son album solo, Greeting from the Gutter - qui était assez réussi à mon goût avec le titre Heart of Stone !

Citons les chansons phares d'Eurythmics : Who's that girl, Here comes the Rain again, Right by your Side, Would I lie to You ?, Sisters are doing it for themselves, It's Alright (Baby's coming back), When Tommorow Comes, Missionary Man, Thorn in my Side, The Miracle of Love, 1984 (chanson titre du film éponyme d'après George Orwell), I Need a Man, You have placed a Chill in my Heart ou Don't Ask me Why.

Je l'ai mentionné précédemment, ils ont par ailleurs sorti une compilation The Greatest Hits en 1991 comme un point d'arrêt à leur carrière en duo ainsi qu'un album live ! Ils ont en effet fait de nombreuses tournées !

De nos jours, les tubes de cette formation s'écoutent encore avec plaisir et Sweet Dreams est encore largement diffusé en radio !

A bientôt !

Jenifer - de son état civil complet Jenifer Yael Dadouche Bartoli, est une chanteuse française révélée par l'émission de télé-réalité musicale Star Academy, première saison 2001 - 2002 dont elle remporte la finale !

Mais à de rares exceptions, les artistes découverts par ces émissions retombent vite dans l'anonymat ou ont du mal à s'en détacher. Jenifer - comme Olivia Ruiz ou Christophe Willem - est une des rares qui a su sublimer l'expérience !

Jenifer, d'origine corse, vit une enfance heureuse à Nice où elle écoute les disques de son père, apprend le flamenco par sa grand-mère et s'illustre par sa voix lors des fêtes de famille.

Adolescente, Jenifer se produit dans des bars et des restaurants mais c'est l'émission de Nikos Aliagas qui est le tremplin pour sa carrière. La finale est suivie par 12 millions de téléspectateurs.

Son premier album, Jenifer, parait en 2002 - avec notamment un titre écrit par Marc Lavoine et comportant des succès comme Au soleil, J'attends l'amour et Des mots qui sonnent.

Le Passage constitue son second album et l'ancre dans le registe pop-rock. Cette fois, ce sont des collaborations avec Calogero, le groupe Kyo et Marc Levy. L'album sera disque de platine et la chanteuse se verra attribué un MTV Europe music award et deux NRJ music awards.

Courant 2004 - 2005, elle effectue une nouvelle tournée qui fera l'objet du disque et du DVD Jenifer fait son live !

Son troisième album Lunatique l'associe artistiquement à son compagnon de l'époque, Maxim Nucci, Également disque de platine, ce nouvel opus comporte des compositions de Matthieu Chedid et Guillaume Canet.

Son quatrième album est un succès public moindre. Il comporte Je danse - avec un clip d'Arthur King - succès moindre donc mais remarqué par la critique !

Depuis février 2013, Jenifer est jury de la Saison 2 du télé-crochet The Voice - et la boucle est bouclée !

Jenifer tourne pendant l'été 2013 son premier film aux côtés de Thierry Neuvic, Les Francis, une comédie de Fabrice Begotti dont la sortie est prévue pour le 23 juillet 2014.

Jenifer s'implique également beaucoup dans des associations humanitaires : Chantal Mauduit, Ela, Le Refuge, l'IPES et les Enfoirés.

Elle attend actuellement - juin 2014 - son deuxième enfant.

C'est une chanteuse que j'apprécie - sans être véritablement un fan assidu. Ces mélodies sont faussement légères et très entraînantes. D'année en année, elle confirme son succès et sa personnalité est attachante !

A bientôt !

Toute une génération a grandi avec Jean-Jacques Goldman qui est une figure incontournable de la chanson française ! Discret sur sa vie privé, le chanteur-compositeur- artiste-interprête a été très prolifique ces quarante dernières années !

Goldman est né le 11 octobre 1951 à Paris. Il commence sa carrière musicale dans des groupes : les Red Mountain Gospellers, The Phalanster puis Thai Phong. Ce dernier groupe, fondé en 1975, se sépare en 1979. A l'aube des années 1980, Goldman va bientôt se lancer en solo !

Son premier album solo sort en 1981 et ne porte pas de titre. C'est le premier succès du chanteur avec le titre Il suffira d'un signe. Son deuxième album, Quelque chose de bizarre, est un échec commercial mais le jeune artiste enchaine aussitôt avec un autre album qui contient les titres qui deviendrons tous des tubes : Quand la musique est bonne, Comme toi ou Au bout de mes rêves. Cet album se vend à plus d'un million d'exemplaires et est rebaptisé Positif.

L'album suivant,en 1985, Non homologué, fait encore plus fort et squatte les premières places du TOP 50, né en 1984. Il contient les titres Je marche seul et le duo avec le chanteur anglais/français Michael Jones, le célèbre Je te donne. On compte aussi avec le succès Pas toi et le titre enregistré en public La vie par procuration. Jean-Jacques Goldman part alors en tournée dont est tiré la dernière chanson citée. Ces tournées révèle la choriste studio Carole Fredericks.

En 1987, l'artiste fétiche du public sort un double album, Entre gris-clair et gris-foncé, qui contient Elle a fait un bébé toute seule et le duo avec Sirima, Là-bas. La jeune femme connaitra un destin tragique des mains de son compagnon jaloux.

Les années 1990 voient la naissance du trio Fredericks, Goldman et Jones qui culminera avec l’album Rouge en 1993, profitant de la Chute du Mur de Berlin.

Je n'étendrais pas cette biographie de l'artiste au delà des années 2000 mais bien évidemment sa carrière ne s'arrête pas là et il est considéré comme la "personnalité préférée des Français" tant par son talent proportionnel à sa modestie. Il faut toutefois ajouter qu'il est l'un des piliers des Enfoirés pour les Restos du Cœur de Coluche depuis le début en 1986. Il a aussi écrit pour de nombreux artistes, confirmés ou débutants. Citons juste ses collaborations avec Johnny Halliday ou l'album D'eux pour Céline Dion - qui lança véritablement la carrière de la star canadienne en France, en 1995.

Voilà, Jean-Jacques Goldman, c'est une longue histoire constellée de tubes !

A bientôt !

Bien qu'étant totalement ignare en musique classique - ce qui ne m'empêche pas de l'apprécier - je vais vous parler de la 5ème Symphonie de Beethoven, dite du "Destin" mais avant vous fait rapidement une petite biographie non exhaustive du compositeur entre classicisme et romantisme.

Ludwig van Beethoven naît le 17 décembre 1770 à Bonn. Son père est musicien à la cour du prince électeur et un alcoolique notoire. Comme Mozart, Ludwig est un enfant précoce exhibé par son paternel. Dès l'âge de onze ans, l'enfant est nommé organiste assistant à la cour et étudie avec Christian Gottlob Neefe. A treize ans, il devient claveciniste et récupère certaines des attributions de son père qui entame alors sa déchéance.

Le jeune Beethoven obtient une bourse du prince archevêque et se rend à Vienne où il étudie avec Haydn et Mozart qui ne manque pas de le remarquer : "Faites attention à celui-là, il fera parler de lui dans le monde." !

Malheureusement pour lui, son père meurt et il doit se substituer à lui et donc rentrer à Bonn où il assume seul l'éducation de ses deux petits frères. Ce faisant, il compose ses premières œuvres et suit aussi des cours de littérature de l'université.

C'est Haydn, de passage à Bonn, qui le convainc de revenir à Vienne. Le 2 novembre 1792, Ludwig quitte définitivement sa ville natale. Joseph Haydn le prend sous son aile. Pourtant le maître est un peu décontenancé par la noirceur que le jeune prodige mets dans ses compositions. La musique de Beethoven sera perçu comme un passage d'épreuve que l'on surmonte et la sérénité que l'on en tire ensuite ! Les drames de l'existence... à l'image de sa vie ! Beethoven se fait vite connaître comme pianiste virtuose et s'assure de confortables revenus.

Mais le pire drame concevable pour un musicien le frappe ! Il commence à devenir sourd dès l'âge de trente ans et pense un temps à se suicider. Seul l'art et l’œuvre à créer le soutient. Il rédige alors le Testament d'Heiligenstadt que l'on découvrira après sa mort. Sa surdité devient complète en une dizaine d'année, en 1816.

De même, sa vie sentimentale est problématique car inexistante. Il montre une allure débraillée et un caractère naïf et ne parvient pas à se lier avec la tendre Bettina Brentano qui lui fait rencontrer Goethe, en 1812, à Toeplitz en Bohême.

Au moment où la surdité totale le rattrape, Beethoven est au fait de sa gloire et connaît de fortes périodes d’abattement qui alterne avec des périodes d'énergie créatrice ! En 1822, il reprend des forces et entame l'écriture de la 9ème Symphonie avec un chœur final sur l'Ode à la joie de Schiller.

Beethoven est considéré comme un excentrique. Son neveu qu'il a adopté lui octroie ses derniers soucis et Ludwig van Beethoven meurt à Vienne le 26 mars 1827, à cinquante-six ans. Une immense procession suit son cercueil lors de ses obsèques.

La Symphonie N°5 en ut mineur dite "du Destin" est une œuvre jumelle de la Symphonie N°6 en fa majeur dite "Pastorale", qui célèbrent le combat de l'homme libre contre son destin et sa communion avec la nature. Elles furent composées en 1808 alors que la surdité du compositeur progresse inexorablement. Beethoven se jette alors à corps perdu dans la création.

Ces deux Symphonies furent créées le 22 décembre 1808 au Theater an der Wien relativement rapidement, dédiées au prince Lobkowitz et au comte Razoumowsky. La 5ème Symphonie est reconnaissable par tout un chacun par son fameux "pom pom pom pom", quatre notes, sol, sol,sol, mi bémol sur le rythme trois brèves, une longue : "le Destin frappe à la porte". L'intensité dramatique est très nette et le caractère héroïque marqué ! L'homme triomphe au final dans la lutte symbolisée par cette Symphonie !

Voilà, à vos écouteurs !

A bientôt !

Renaud Séchan - dit Renaud - est un artiste français, auteur-compositeur- interprète à l’œuvre marquante dans le paysage musical de l'Hexagone. Il est né le 11 mai 1952 à Paris.

Il y a suffisamment de choses à dire sur cet artiste talentueux et reconnu qu'une série de billets pourrait se justifier ! Mais pourtant, je ne lui consacre pour le moment que cet article.

Je passerais donc certaines périodes sous silence, ses débuts, sa période irlandaise, sa période "Renard", son retour etc... Je vais m'attarder sur les moments entre son deuxième album en 1977 : Laisse-Bêton et  le début des années 1990, les suites de l'album Mistral gagnant, le succès et la paternité.

Découvert dans les années 1970 par Paul Lederman alors qu'il chantait devant le Café de la Gare, Renaud choisit d'abord d'aborder la posture du titi parisien, modèle dont il se lasse bientôt pour prendre l'attitude du gentil loubard.

Renaud endosse le blouson de cuir et durcit son image jusqu'à l'album Marche à l'ombre. Mais cette image là encore va vite l'encombrer - il est assimilé par les médias à un zonard, du moins à un chanteur pour zonards alors que lui ne prétend que chanter les problèmes d'une partie de la population.

Son troisième album s'intitule Ma gonzesse et sort en janvier 1979.Il y pratique l'autodérision et révèle sa sensibilité. Il remplit ses premières grandes salles comme le Théâtre de la ville et suscite des polémiques. Sa famille d'intellectuels du côté de son père lui vaut alors d'être traité de "bourgeois".

Marche à l'ombre sort en 1980, album qu'il a promis plus noir et dédié - entre autre - à Jacques Mesrine l'ennemi public numéro 1. L'album est en effet plus violent mais contient tout de même sa dose d'humour : Baston, La Teigne, Marche à l'ombre, Mimi l'ennui…

Certains titres lui attirent aussi les foudres du Parti communiste français. Il n'en reste pas moins que le succès est là et Marche à l'ombre participe de cette gloire !

Fin 1981, Renaud enregistre Le retour de Gérard Lambert et commence à délaisser son blouson noir, phase de transition vers Morgane de toi. Il est également papa d'une petite Lolita depuis août 1980. Renaud assagi ?

Inspiré par les récits d'Antoine et visant à fuir la surmédiatisation, le chanteur s'embarque avec sa famille sur un bateau entre 1982 et 1983. De cette escapade naitra le fabuleux Dès que le vent soufflera et son fameux TaTaTa !

Renaud opte ensuite pour les santiags et la bandana rouge pour Morgane de toi. Serge Gainsbourg réalise alors le fameux clip sur la plage.

En 1985, Renaud, sollicité,  monte un projet pour venir en aide à l'Afrique, saccagée par la famine suivant l'exemple de Michael Jackson et USA for Africa. En France, ce sera Chanteurs sans Frontière : "Loin du coeur et loin des yeux, l’Éthiopie meurt peu à peu..."

En août 1985, Renaud donne des concerts en URSS, mais sa prestation au Parc Gorki, à Moscou, sera entichée d'incidents violent et l'artiste quitte la Russie épuisé.

Sorti le 20 janvier 1986, Mistral gagnant fait ressentir la fatigue et la désespérance qui commencent à se faire jour chez l'artiste.

Avec cet album, c'est un certain retour à l'enfance (Mistral gagnant) mais aussi des combats politiques (Miss Maggie contre la Dame de Fer Margaret Thatcher).

Renaud passe aussi à Apostrophes, reconnaissance de ses talents littéraires ! Le succès, avec Mistral gagnant, est encore une fois au rendez-vous mais cela n'apaise pas Renaud qui s'enfonce de plus en plus dans la déprime sur le plan personnel.

Cela fera peut-être l'objet d'un autre article dans le futur !

En attendant, allez écouter ces chansons magnifiques et inspirées.

A bientôt !

Internet est un bon tremplin d'envol pour les jeunes artistes. J'ai déjà parlé de Yelle, de Zaz. Beaucoup d'autres ont été découverts par cette révolution numérique qui brise les circuits traditionnels. Je vais maintenant vous parler d'Orelsan - à l'occasion de ce qui est tout de même le 600ème billet de "bibliothèque-éclectique" !

C'est donc par le net qu'Aurélien Cotentin - qui prend le nom d'artiste Orelsan - perce en 2008 avec la chanson Changement. Il a, à ce jour, sorti deux albums en solo, Perdu d'avance et Le chant des sirènes, fait pas mal de featuring et des collaborations avec et au sein de groupes, Casseurs Flowters et Toxic Avengers.

Ces textes sont péchus, vraiment originaux et remplis d'inventions littéraires. J'aime particulièrement Ils sont cools avec son imagerie "Chevaliers du Zodiaque" et le très virulent Suicide social où il tape un peu sur tout le monde ! Aurélien Cotentin est né à Argentan et Orelsan a pris son essor dans la(ma) région, Caen et ses alentours. Tout jeune, il était davantage accro au hard rock et des amis d'activités sportives lui ont fait découvrir le rap, deux genres plutôt agressifs en somme.

Le rappeur normand se retrouve souvent au cœur de polémiques. Par exemple - pour la plus fameuse - en 2008 avec le texte Sale pute - qualifié de plus que misogyne par une ministre. Orelsan se défend en affirmant que c'est une fiction et non un appel à la violence - on retrouve l'éternel problème de l'assimilation par le lecteur/auditeur entre le narrateur, le personnage et l'auteur qui n'ont pas forcément les mêmes opinions. En 1857, Flaubert fut un exemple célèbre de ce genre de confusion.

Lors de la 27ème Cérémonie des Victoires de la Musique, en avril 2012, Orelsan a reçu deux prix : Victoire du meilleur album de musiques urbaines de l'année et la Victoire de la révélation au public de l'année. Les polémiques ne l'ont donc pas empêcher de connaitre le succès - y ont-elles contribués ? Peut-être pour le faire connaitre mais ces querelles passent après les textes.

Voilà, un billet nécessairement sommaire - je vous renvoie à la page Wikipédia pour le détail de sa carrière et ses contributions - je dois encore écouter davantage ses textes si je veux être capable d'en donner une analyse thématique mais ce n'est pas mon propos. Je voulais juste témoigner que ce rappeur est mon artiste préféré dans son genre musical - comme en son temps MC Solaar, dans un style différent - et j'avais promis ce billet à Ophélie !

A bientôt !

Contrairement à ce que vous pourriez croire, Yelle n'est pas le nom d'une chanteuse - qui s'appelle en réalité Julie Budet - mais d'un groupe, de fait un trio !

Yelle s'est fait connaître pour la première fois en 2007 lorsque le groupe a été invité à une collaboration avec Michael Youn - que je déteste cordialement ayant passé l'âge des blagues de cours de récré - et sa team des Fatals Bazooka ! La chanson Parle à ma main pour la raison précitée (mon non intérêt total pour Fatal Bazooka) n'avait pas du tout retenu mon attention et même je n'aimais pas trop !

Pourtant, en réalité, Yelle s'était déjà fait connaître auparavant, en 2006 , par le réseau MySpace - ce qui attira l'attention de Youn, pas lassé d'un buzz prêt - la suite - les compositions propres au trio furent plus de mon goût !

Yelle, c'est à ce jour deux albums et de nombreuses collaborations ! Sa musique est du style techno pop acidulé et les deux albums ont pour titre Pop-Up ! (2007) et Safari Disco Club.

Si on retient surtout la longue silhouette longiligne et les jupettes plus courtes les unes que les autre de Julie Budet, il y a aussi dans le groupe le compositeur Grand-Marnier (compagnon à la ville de Miss Budet) et Tepr le claviériste.

Julie Budet est née le 17 janvier 1983 à Saint-Brieuc.  Son père est déjà baigné dans la musique. C'est elle la voix du groupe. Les chansons les plus célèbres du groupe en radio sont Je veux te voir (dans un film pornographique), réquisitoire contre le macho chanteur de rap Cuizinier et Que veux-tu qui raconte les émois des jeunes gens.

Des registres drôles mais pas seulement, aussi émouvants et poétiques. Dans mon cas, ces mélodies simples et lancinantes ont eu vite fait de me "parasiter" l'esprit - au bon sens du terme.

Il n'y a bien entendu pas que ces deux titres mais aussi une reprise d’A cause des garçons chanson qu'on croirait écrite sur mesure pour ce groupe tant elle colle bien à leur univers flashy et décalé !

Voilà, je ne ferais pas de long discours ou de longue analyse savante. Je vous livre juste mon ressenti : malgré une première impression assez déplorable, je suis finalement tombé sous le charme de cette formation assez attachante.

Le mieux est encore de les écouter !

A bientôt !

Zaz est une chanteuse française, qui a émergé en 2010 avec son single Je veux. Son véritable patronyme est Isabelle Geffroy, née le 1er mai 1980.

Elle a, à ce jour, sorti deux albums. Je vais surtout ici m’intéresser aux titres phares de son premier album (Zaz, 2010), ce qui représente 4 titres emblématiques qui mêlent jazz, variété française, soul et acoustique.

Zaz arbore le look et le style des chanteuses de rue. Quand je la vois, je pense "bobo" et "Montmartre" - on pourra aussi trouver cela un peu trop "Ouahouache" !

Ses sons accompagnant ses mélodies mêlent piano, guitare, batterie, banjo... et sa voix, assez criante, est caractéristique !

Dans Je veux, titre qui l'a fait découvrir, Zaz affiche son insouciance, sa simplicité, sa détermination à être heureuse et sa quête de liberté. C'est un plaidoyer qui clame le raz-le-bol des conformismes, des "langues de bois", des clichés. Zaz s'affiche d'entrée rebelle mais en jouant ce jeu là, ne se coule t-elle pas elle-même dans un moule ? Le mythe de la Bohème retrouvée et rejouée une énième fois ! On peut dès lors s'interroger sur la sincérité de la chanteuse !?

Voyons les autres titres pour essayer de découvrir s'il y a vraiment une recherche d'authenticité - ou si elle surfe simplement sur un créneau, celui de la rebelle. Cette joie apparente de Zaz, qu'elle veut communicative, est-elle feinte ?

La fée pousse encore plus loin la quête de la simplicité. C'est un retour au monde simple de l'enfance et à l'innocence. Or les enfants ne sont pas si innocents... Zaz, idéaliste ? Chanteuse de contes de fée ?

Ebloui par la nuit se veut plus mystique ! On relèvera au passage le quasi oxymore. La chanteuse semble complexifier ses thématiques. On goutera - ou pas - les sons d'harmonium de ce single qui renforcent le côté mystique.

Le long de la route marque lui un retour à la vie bucolique !

En résumé, Zaz vante la vie simple de bohème, l'enfance, l'errance, l'anarchie, la campagne, la solidarité. Tout cela est trop beau pour être vrai.

C'est une chanteuse que j'ai du mal à cerner qui plait à certaines de mes connaissances, en agace d'autres. Pour ma part, je ne me prononcerait pas encore. Il faut voir sur le long terme si la chanteuse feint une attitude et aussi si elle renouvelle son style et son répertoire. Autrement, cela risque de tourner assez vite aux mêmes rengaines et pour le coup devenir vraiment rédhibitoire !

Une chanteuse sympathique mais dont j'attends encore qu'elle me surprenne !

A bientôt !

Ca y est ! Nous y voilà ! Le 500ème billet !

Pour cette occasion, je vais enrichir la rubrique "Musique" - avec des compositeurs classés en quatre périodes : baroque, classique, romantique et moderne. Mais aussi avec des chanteurs de variété, depuis les icônes des années 1970 et 1980 : Michel Sardou, Jean-Jacques Goldmann, Dalida, Sheila. Des artistes actuelles, Zaz, Renan Luce et aussi des coups de cœur personnels comme Orelsan !

Je commence donc cette série avec Renan Luce - présentation biographique bref - puis introduction à son premier album, de 2006, Repenti.

Renan Luce est né le 5 mai 1980 à Paris mais c'est un breton d'adoption. Il passe son enfance près de Morlaix dans le Finistère.

Il entame précocement sa carrière musicale en participant à une chorale avec son frère Damien et sa soeur Claire puis prend des cours de piano classique avec son frère. Passage au conservatoire de Brest et de Saint-Brieuc, ajout du saxophone et de la guitare à ses talents !

La notice Wikipédia nous apprend ensuite qu'après le lycée, il se produit dans des bars et quelques festivals, en premières parties. Il entreprend des études de commerce durant lesquelles il enregistre deux chansons au bénéfice d'une association humanitaire.

Débuts ensuite à Paris avec les fans de la première heure, Renaud et Bénabar. Il signe un contrat chez Barclay en 2005.

Son premier album, Repenti, sort en septembre 2006. Il est réalisé par Jean-Louis Piérot.

Renan Luce y place sa voix avec brio en s'accompagnant de sa guitare. Ses textes sont le fruit d'une belle écriture, poétique (ce qui est rare à notre époque je trouve !), douce-amère, jouant souvent sur la tonalité ironique et le sous-entendu. C'est le monde de l'enfance et des premières amours qui ressurgit chez l'auditeur. Un disque qui parle de fêlures, de blessures, de tendresse...De la Nature aussi ! Comique souvent ! A un moment, cela m'a fait penser à Henri Salvador dans certains de ses titres nostalgiques !

Les titres phares de l'album sont Repenti, Les Voisines et La Lettre

Je n'étais pas fan de Renan Luce mais dans mon projet de refaire "à ma sauce" les billets de collègues pour le journal de mon entreprise, je me suis attelé à ce billet sur Renan Luce. Il a donc bien fallu que j'écoute au moins un album pour me faire une idée ! Ce sont donc là mes premières impressions et ô surprise, elles sont positives. Pourtant, à priori, ce n'était pas "ma tasse de thé"!

Un album empreint de nostalgie pour un jeune artiste attachant qui fait petit à petit sa place !

Bravo Monsieur Luce !

A bientôt !

Erik Satie est un artiste complet du XXème siècle, célèbre pour certains, méconnu pour d'autres. A une époque où le style wagnérien domine la musique classique, Satie va composer une oeuvre où a contrario, c'est le dépouillement qui prime sur l'emphase.

Satie est né à Honfleur le 17 mai 1866 d'une mère protestante écossaise et d'un père catholique français. Très vite, la famille s'installe à Paris mais la mère du jeune garçon meurt alors qu'il n'a que quatre ans ! Dès lors, l'enfant va être confié à ses rigides grand-parents paternels et vivre de 1872 à 1878 en pension à Honfleur. Je signale au passage que sa maison est devenu de nos jours un musée qui montre une exposition agencée en parcours scénographique très intéressant.

Erik Satie est un élève mal poli et paresseux et au terme de six années de pensionnat, son père le rappelle à la capitale. Entre temps, en 1874, le garçon a pu prendre des leçons de piano avec Vinot, de l'école de Niedermeyer, organiste à l'Eglise Sainte-Catherine. Le retour à Paris marque la fin de cet initiation. Dorénavant, c'est son père, tout aussi rigide, qui se charge de son éducation.

En 1879,Mlle Barnetsche, pianiste de renom, devient sa belle-mère et lui inculque des rudiments musicaux suffisants pour qu'il puisse entrer au Conservatoire. Satie prend aussitôt en haine et la musique et le Conservatoire d'où il est renvoyé après deux ans et demi de cours, jugé sans talent, et réadmis en 1885.

Par la suite, Erik Satie est touché par la grâce et hante Notre-Dame-de-Pairs et s'immerge dans le chant grégorien.

Dégouté du Conservatoire, il le quitte définitivement en 1886 et s'engage dans un régiment d'infanterie à Arras. Mais il se rend compte qu'il a échangé une prison pour une autre, se rend malade et est finalement réformé.

De 1890 à 1898, Satie fréquente le "pays des peintres et des poètes", c'est à dire la Bohème et Montmartre. Il quitte en effet  le domicile paternel pour un logis exigu qu'il appelle "le placard". Il devient rapidement une des figures pittoresques de ce microcosme. Il lit Mallarmé et Verlaine, fréquente "le Chat Noir" de Rodolphe Salis. Ses premières admirations musicales vont à Bach, Chopin, Schumann. Il lit également Salambo de Flaubert, visite l'Exposition Universelle de 1889 où il admire des ensembles de chanteurs roumains (ces deux éléments apporteront une touche d'orientalisme à certaines de ses compositions par la suite). C'est sa période "gothique" avec les première œuvres que sont les quatre Ogives. En 1887, il s'attèle aux Sarabandes et l'année suivante aux Gymnopédies.

A partir de 1891, il est "tapeur à gage" à l'auberge du Clou où il fait la connaissance de Debussy. Il est séduit par un mage, le Sar Joseph Péladan et devient en 1888, membre de l'Ordre de la Rose-Croix Kabbalistique pour lequel il écrit de la musique. On peut donc dire qu'à cette période, Erik Satie est partagé entre le clinquant de la fête et des cabarets et le mysticisme et l'ésotérisme (l'écrivain humoriste Alphonse Allais,également né à Honfleur, le surnommera "Esoterik Satie").

En 1892, Satie engage une liaison avec le peintre Suzanne Valadon (1865 - 1938), la mère d'Utrillo. L'idylle se brise au bout de six mois et l'artiste en gardera une misogynie légendaire. En 1893, il prend ses distances avec Péladan et abandonne ses idées religieuses.

En 1898, Erik emménage à Arcueil dans ce qui deviendra sa "tour d'ivoire" et où nul n'entrera, hormis lui-même, et ce jusqu'à sa mort, 27 ans plus tard. Il s'isole peu à peu, conservant toutefois une amitié avec Debussy, fondée sur une estime réciproque. En 1905, il s'inscrit à la Schola cantorum ou pendant trois ans, il étudie le contrepoint.

En 1911, l'artiste solitaire sort de son isolement musical lorsque Ravel révèle ses premières œuvres au public de la Société musicale indépendante (SMI). La gloire commence alors pour Satie.

Début 1915, il fait la connaissance de Jean Cocteau et collabore avec lui et Picasso au ballet cubiste Parade dont la création au Chatelet en 1917 provoque un scandale. Satie est alors catalogué "artiste décadent". Néanmoins, il est soutenu par un groupe de jeunes artistes, des musiciens, les Nouveaux Jeunes qui deviendront le Groupe des Six.

Parade, pourtant, marqua une date. Pour Apollinaire, ce "bijou de boulevard" constituait le point de départ de "l'esprit nouveau". Le poète participa à la rédaction du programme et inventa à cette occasion le mot "sur-réalisme".

Après la Grande Guerre, Satie participe de la contestation générale qui règne dans les avant-gardes artistiques et sert de porte drapeau notamment au mouvement Dada de Tristan Tzara. A partir de 1921, de jeunes musiciens se regroupent autour de lui et forment l’École d'Arcueil.

A la fin de sa vie, Satie se fâche plus ou moins avec la plupart de ses admirateurs et disparait sans amis et sans enfants le 1er juillet 1925 d'une cirrhose du foie. On retrouvera notamment pas la suite dans son appartement d'Arcueil, dans un état de désordre incroyable, plus de 4000 cartes de visites annotées et 200 faux-cols ainsi qu'un grand nombre de costumes et de paires de chaussures, témoignant de l'aspect obsessionnel d'un artiste à la personnalité par ailleurs excentrique et atypique !

Pour terminer ce billet, je voudrais vous indiquer une référence bibliographique, à savoir :

Anne Rey; Satie; Seuil - collection "Solfèges"

qui contient les informations données plus haut et des indications de pur solfège sur les compositions d'Erik Satie, informations qui dépassent largement mes compétences !

A bientôt !

On connaît surtout Tracy Chapman pour son single emblématique "Talkin' ' bout a Revolution" mais son oeuvre est bien plus vaste - l'arbre qui cache la forêt ! -  et c'est de son album Crossroads - de 1989 - dont il va être question ici. J'avais emprunté le CD à mon voisin Rico mais mon PC n'arrive pas à le lire alors finalement, l'ai écouté sur Youtube où on trouve vraiment tout !

Selon Wikipédia, " Tracy Chapman est une auteure-compositeure-interprète américaine née le 30 mars 1964 à Cleveland (Ohio). Son répertoire, qui comprend une dimension contestataire et engagée, et son style mêlant blues, rock folk et soul lui ont valu le surnom de « Dylan noire » au début de sa carrière."

Entre 1988 et 2008, cette artiste a sorti huit albums studio, vendus à plus de 40 millions d'exemplaires dans le monde.

Crossroads  est son deuxième album qui comprends 10 titres et qui ne connaîtra pas un succès comparable au carton du premier album, Tracy Chapman, de 1988. Disons le tout de suite, ça s'écoute bien, c'est bien pensé, réalisé et interprété mais moi, ce Crossroads ne m'a pas fait vibrer - ce qui est un avis sans doute sacrilège vu l'immense stature de cette artiste ! J'en suis désolé par avance !

Ce deuxième album est néanmoins devenu disque de platine, preuve que la majorité ne partage pas mon appréciation mitigée. Il a été coproduit avec David Kershenbaum.

Les titres des chansons sont "Crossroads", "Bridges", "Freedom Now", "Be Careful of My Heart",, "Born to Fight" ou" A Hundred Years" pour n'en citer que quelques unes ! On notera sur la chanson qui clot l'opus, "All That You Have Is Your Soul", une collaboration avec Neil Young !

Crossroads atteignit la première place des charts allemands, britanniques et néo-zélandais. En France il se hissa à la deuxième place. Pas mal au final !

A bientôt !